آموزش عکاسی تئاتر
تجهیزات و تکنیک‌های عکاسی صحنه

آنچه در این مقاله می‌خوانید:

بهترین تنظیمات دوربین برای عکاسی از تئاتر

در عکاسی تئاتر، شما نمی‌توانید از فلاش استفاده کنید یا نوری به عکس‌های خود اضافه کنید. از طرف دیگر، نور صحنه‌ها از نظر شدت، رنگ و جهت متفاوت هستند و لذا پیش بینی تنظیمات ایده آل دوربین برای ثبت تصویر مورد نظر را دشوار می‌کند و نکته دیگر اینکه نورپردازی هر صحنه نمایشی توسط مدیر نور و با هدف تکمیل و ارتقای دید هنری کارگردان و برای دستیابی به یک اتمسفر و حال و هوای خاص روی صحنه طراحی شده است. بنابراین، تغییر آن به منظور گرفتن عکس ممکن است عملی یا مناسب نباشد.

در اینجا توصیه‌هایی را مطرح می‌کنیم که بصورت عمومی و در اکثر صحنه‌ها خوب جواب می‌دهند اما برای لحظاتی خاص شما می‌توانید تنظیمات شخصی‌سازی شده‌تری را بر روی دوربینتان اعمال کنید و البته فراموش نکنید که همه این‌ها و بیشتر از آن را می‌توانید در کلاس‌های عکاسی مقدماتی و شناخت نور مدرسه عکاسی آرتسنس به خوبی یاد بگیرید:

1- استفاده از فرمت خام تصویر یا Raw:

در طول اجراهای صحنه‌ای، تضاد زیادی وجود دارد؛ شاید شخصیت اصلی نورپردازی بسیار روشنی داشته باشد و سایر اجراکنندگان و بخش‌های دیگر صحنه نورهای کمی داشته باشند و به سمت سیاهی بروند. برای به‌دست آوردن جزئیات هم در نقاط روشن و هم در سایه‌ها، بهترین کار این است که در حالت Raw عکس بگیرید. این کار برای تنظیم وایت بالانس هم مفید است.

2- روشن بودن لرزشگیر لنز:

اینکار  از ایجاد لرزش  و محو شدگی در تصاویر جلوگیری می‌کند.

3- استفاده از دکمه فوکوس پشتی برای AF:

 استفاده از دکمه فوکوس پشتی برای فوکوس خودکار (AF) به شما امکان می‌دهد عملکرد فوکوس را از دکمه شاتر دوربین خود جدا کنید. این بدان معناست که شما می‌توانید تنها در صورت لزوم روی سوژه خود فوکوس کنید، بدون اینکه مجبور باشید هر بار که دکمه شاتر را فشار می دهید فوکوس مجدد کنید. با جدا کردن عملکرد AF از دکمه شاتر، می‌توانید در زمان صرفه جویی کنید و روند عکسبرداری خود را ساده و سریع‌تر کنید.

4- استفاده از حالت فوکوس پیوسته AI-Servo یا C-AF:

در زمان‌هایی که سوژه‌ای به سرعت در صحنه حرکت می‌کند، بهتر است از این حالت فوکوس استفاده کنید.

5- استفاده از حالت عکاسی پیاپی:

 اگر در صحنه حرکت زیادی وجود داشته باشد،بهتر است با استفاده از حالت عکاسی پیاپی دوربین، شانس خود را برای گرفتن یک تصویر خوب به حداکثر برسانید.

6- تنظیم ISO: 

بسته به نوع دوربینتان و نور محیط بهتر است با ISO بین۱۰۰ تا ۱۶۰۰ یا ۲۰۰۰ کار کنید. البته بدیهیست که دوربین نو تر یا دوربین بهتر به شما این امکان را می‌دهد که از مقادیر بالاتری برای حساسیت یا ایزو اسفاده کنید.برخی از افراد دوست دارند از ISO خودکار استفاده کنند، اما ما توصیه می‌کنیم که ISO را به صورت دستی تنظیم کنید تا مطمئن شوید که تصاویر برای ثبت یک لحظه خاص در طول اجرا یا نمایش نوردهی شده‌اند.

7- انتخاب حالت نورسنجی:

در عکاسی تئاتر خیلی از افراد ترجیح می‌دهند از نورسنجی نقطه‌ای یا مرکزی استفاده کنند، به‌ویژه زمانی که از لنزهای واید برای ثبت کل صحنه استفاده نمی‌کنند. استفاده از حالت نورسنجی نقطه‌ای اطمینان می‌دهد که همیشه سوژه‌ای با نوردهی مناسب خواهید داشت.با این حال، بسیاری از دوربین ها یک نقطه در وسط دارند و به شما اجازه تغییر آن را نمی‌دهد. این موضوع برای ترکیب‌بندی شما بسیار محدودکننده است. اگر اینطور است، دوربین خود را روی حالت نورسنجی مرکزی تنظیم کنید. این کار یک منطقه بزرگتر را برای تعیین نوردهی صحیح پوشش می‌دهد.

در کنار اینها مهمترین تکنیک برای رسیدن به نورسنجی و فوکوس سریع و صحیح در عکاسی تئاتر استفاده از قفل نورسنج دوربین است که نحوه استفاده از آن را بصورت کامل در کلاس شناخت نور مدرسه عکاسی آرتسنس آموزش می‌بینید.

8- مد عکاسی: 

خیلی از عکاسان در شرایط نوری ثابت مانند یک کنسرت کلاسیک حالت M را ترجیح می‌دهند، اما استفاده از این مد اشکالات زیادی دارد و بخصوص در زمانیکه شرایط نوری متغیر است یا سوژه در حال حرکت باشد یا ما به عکس‌هایی با عمق میدان متفاوت نیاز داریم، استفاده از مدهای اولویت دیافراگم یا اولویت شاتر می‌تواند بهتر باشد. به عنوان مثال در صحنه‌ای که سوژه حرکت‌های نه چندان سریعی دارد، حالت اولویت شاتر بهترین انتخاب است در این حالت شما کافیست سرعت شاتر را حداقل روی 1/100 تنظیم کنید تا اکشن روی صحنه به خوبی ثبت شود.

ترکیب‌بندی عکس‌ها در عکاسی تئاتر

این قسمت از عکاسی تئاتر شاید دشوارترین بخش کار باشد. دوربین را تنظیم کرده‌اید و اکنون باید تصاویری بگیرید که احساس اجرا را به خوبی به مخاطبانشان منتقل کنند.جایی که شما باید در آن لذت، درام، تنش، هیجان و ... را نشان دهید. برای رسیدن به این هدف، استفاده از یک ترکیب‌بندی هدفمند و آگاهانه ضروری است. بدین معنا که شما باید نمایش را بشناسید، تا لحظه‌ای پیش‌بینی نشده و  به‌طور ناگهانی برایتان پیش نیاید، درواقع داشتن شناخت مناسب از کل اجرا به شما کمک می‌کند تا  بتوانید منتظر آن لحظه خاص که مدنظرتان است باشید تا اتفاق بیفتد. درک نمایشنامه در حال اجرا برای پیش‌بینی و ثبت لحظاتی که نمایش را به بهترین شکل نمایش می‌دهند، بسیار مهم است. قانون یک سوم به عنوان یک دستورالعمل ترکیب‌بندی مفید در بیشتر مواقع پیشنهاد می شود و رعایت آن در عکس‌ها فضای کافی برای نگاه کردن/حرکت به سوژه و مخاطب می‌دهد. اما اگر دوست دارید قوانین مدرن و معاصر ترکیب‌بندی را یاد بگیرید و از آنها در آثارتان استفاده کنید، بهترین انتخاب برای شما قطعن شرکت در کلاس ترکیب بندی در عکاسی مدرسه آرتسنس است. البته ما هم در ادامه این مقاله توصیه‌هایی برای رسیدن به ترکیب‌بندی بهتر در عکاسی تئاتر داریم، این نکات به شما کمک می‌کند تا تصاویر بهتری در جلسه عکاسی از صحنه یا تئاتر بگیرید. با رعایت این نکات، می توانید کیفیت عکس‌های خود را افزایش دهید و روایت‌های بصری جذاب‌تری خلق کنید. علاوه بر این، مهم است که به یاد داشته باشید هنگام ثبت تصاویر هم از این تجربه و هم از اجرا لذت ببرید:

یک ترکیب بندی کلاسیک، با استفاده از قانون یک سوم و فراهم کردن فضایی کافی برای اینکه سوژه به جلو نگاه کند.

- به سوژه خود نزدیک شوید؛ در عکاسی تئاتر ما معمولن با دیافراگم باز و لنز زوم کار می کنیم. به همین دلیل، عمق میدان نسبتن کم می شود. این کار می‌تواند به طور طبیعی سوژه را از سایر افراد روی صحنه و از صحنه شلوغ جدا کند.

استفاده از لنز  200 میلی‌متری و دیافراگم  f/2.8 جدایی خوبی بین سوژه و پس‌زمینه  ایجاد کرد.

- عکس‌های پرتره برای ثبت حالات چهره و انتقال احساسات عالی هستند. اما زمانی که می‌خواهید زبان بدن و حرکت را ثبت کنید، از کلوزآپ‌های متوسط استفاده کنید.

- به‌ویژه در سالن‌های کوچک‌تر، عکس‌های با زاویه باز برای ثبت کامل یک اجرا عالی هستند. زیبایی عکس‌های واید در توانایی آن‌ها در به تصویر کشیدن کل صحنه است و این عکس‌ها دید جامعی از چگونگی طراحی صحنه، نورپردازی و تعامل هنرمندان در کنار هم برای خلق فضا ارائه می‌دهند.

استفاده از یک لنز با زاویه باز اجازه می دهد تا کل صحنه را به تصویر بکشید.

- رعایت نور صحنه بسیار مهم است. شاید در بعضی از صحنه‌ها در عکاسی تئاتر بهتر باشد که بصورت عمدی تعادل رنگ سفید (وایت بالانس) که در مقاله همه چیز درباره دمای رنگ و وایت‌بالانس بصورت مفصل درباره تاثیراتش در عکاسی صحبت کرده‌ایم  را هم فراموش کنید. به عنوان مثال اگر صحنه آبی است، حتمن دلیلی برای آن وجود دارد. ممکن است مانند تصویر زیر شب باشد. یا ممکن است حال و هوای خاصی باشد که هنرمندان می‌خواهند منتقل کنند.

با رعایت دمای رنگ استفاده شده در  نورپردازی نمایش، می‌توانید احساس یک صحنه خاص را بهتر منتقل کنید.

- نحوه‌ ظاهر شدن نورها در صحنه بخشی از نمایش است. در تصویر زیر، نور کلیدی بر روی پیانیست بود تا او را از بقیه صحنه که تاریک‌تر است جدا کند و توجه را به حضور او جلب می‌کند.

نور استفاده شده در نمایش با هدف برجسته کردن کنش پیانیست بود.

- وقتی که کنار صحنه قرار می‌گیرید، استفاده از لنزهای واید همراه با زاویه کم می تواند تأثیر بصری یک تصویر را افزایش دهد.

گرفتن یک صحنه از یک منظره گسترده بااستفاده از یک فاصله کانونی با گستره دید کم می تواند به طور قابل توجهی پویایی و قدرت تصویر را افزایش دهد.

- اگر می‌توانید نزدیک بروید، بعنوان مثال هنگام تمرین، روشی را آزمایش کنید که زاویه باز باعث ایجاد اعوجاج می‌شود.

یک زاویه باز از فاصله نزدیک می‌تواند منجر به یک تصویر پویا با تمایزهای واضح بین عناصر پیش زمینه، میانی و پس زمینه شود.

- ثبت حرکت در عکاسی تئاتر و صحنه اهمیت دارد. توصیه می شود از یک لحظه خاص عکاسی کنید که در آن حرکت به وضوح در زبان بدن سوژه مشهود است. مانند عکس زیر:

حرکت رقصنده به شدت پویا است و احساس حرکت را منتقل می‌کند، حتا اگر تاری حرکتی زیادی وجود نداشته باشد.

- سرعت شاتر پایین برای ایجاد تاری در حرکت، یک راه عالی برای انتقال حرکت است.

استفاده خلاقانه از سرعت شاتر کم، برای ایجاد تاری حرکت.

- اگر افراد بیشتری روی صحنه باشند، باید یک ترکیب بندی متعادل بسازید.

- از مثلث‌ها استفاده کنید؛ اگر سه نفر دارید، بهتر است زمانی که بازیگران در حال تشکیل مثلث در صحنه هستند از آنها عکس بگیرید.

روشی برای استفاده از مثلث ها در ترکیب بندی برای عکاسی صحنه.

- افراد را به چند گروه تقسیم کنید؛ این استراتژی به‌ویژه زمانی مؤثر است که تعداد افراد در گروهها که فعالانه در حال حرکت و تعامل هستند، فرد باشد.به عنوان مثال در تصویر زیر، عکاس منتظر ماندتا دو نفر از سه هنرمند روی صحنه به هم نزدیک شوند و با هم تعامل کنند. تقسیم افراد به صورت گروهی یک قانون شناخته‌شده در عکاسی تئاتر است.

گروه‌بندی هنرمندان در صحنه، به جای پراکندگی تصادفی آنها روی صحنه، ترکیب بندی متعادل‌تری ایجاد می‌کند.

- سوژه‌ها را در یک صف ردیف کنید؛ ردیف کردن هنرمندان روی یک خط در یک اجرا می‌تواند ترکیب بصری جذابی را هنگام عکاسی از کنار صحنه ایجاد کند. با چیدمان هنرمندان در یک خط مورب در کادر، می توانید حس پویایی زیادی اضافه کنید. 

یکی دیگر از ترکیب‌بندی ‌های خوب، قرار دادن هنرمندان بر روی یک خط مورب است.

- از تعاملات روی صحنه عکس بگیرید؛ افراد روی صحنه با یکدیگر تعامل خواهند داشت و زیباست که آن لحظات را به تصویر بکشیم. نمایش لحظات تعامل بین افراد روی صحنه به بینندگان اجازه می دهد تا با احساسات و پویایی اجرا درگیر شوند. نوع تعاملی که باید منتظر آن باشید می تواند فیزیکی باشد، مانند این دو نوازنده که با هم در عکس زیر آواز می‌خوانند، کلوزآپ برای این نوع عکس‌ها بسیار خوب عمل می‌کند. نکته دیگری که در این زمینه باید به آن توجه کرد، نحوه نگاه و واکنش بازیگران به یکدیگر برای انتقال احساسات است.

تعامل فیزیکی بین هنرمندان.

یک نگاه گاهی به صدها کلمه می‌ارزد.

و نکته بعد اینکه، کنش در یک صحنه می‌تواند شامل لایه‌ها و سطوح مختلفی باشد. در تصویر زیر، واضح است افرادی که در پس‌زمینه هستند، در حال برنامه‌ریزی چیزی برای مردی هستند که در پیش‌زمینه است. این رویکرد چند لایه برای به تصویر کشیدن کنش، عمق و پیچیدگی را به روایت تصویر می‌افزاید و حس انتظار یا تعامل بین عناصر مختلف درون کادر را ایجاد می‌کند.

از جدا کردن سطوح در صحنه بهره ببرید و با این روش یک روایت را منتقل کنید.

- عکاسی پشت صحنه می‌تواند به داستان افزوده شود؛ اگر شما عکاس استخدام شده هستید و به تمرین‌ها و آماده سازی‌های بازیگران پیش از اجرای اصلی دسترسی دارید، این زمان‌ها وقت مناسبی برای عکاسی پشت صحنه است.  

-  یک روش کلاسیک برای عکاسی پشت صحنه، عکاسی سیاه و سفید است. اگرچه عکاسی رنگی نیز می تواند خوب باشد. برای ثبت یک نمای جامع از محیط پشت صحنه، توصیه می‌شود زوایای مختلف، تعاملات، جلسات و لحظات استراحت را ثبت کنید. 

۱۰ نکته مهم برای پیشرفت در عکاسی تئاتر

خب حالا که اصول اولیه عکاسی تئاتر را یاد گرفتید، می‌خواهیم با هم فراتر برویم؛ در ادامه این مقاله چند نکته برای عکاسی تئاتر، عکاسی سینما، عکاسی کنسرت  و هر صحنه‌ دیگری بیان می‌کنیم که به شما کمک می‌کند تا به عنوان یک عکاس دراین زمینه به سرعت پیشرفت کنید:

نکته ۱ – در تمرین‌ها شرکت کنید؛

عکاسی در حین تمرین یک الزام است. به این دلیل که گروه تئاتر به عکس‌های تبلیغاتی قبل از شب افتتاحیه نیاز دارد.علاوه بر این، حضور در تمرینات به شما این امکان را می‌دهد که با فضای نمایش بیشتر آشنا شوید. به این ترتیب می‌توانید برای اجراهای اصلی بهتر آماده شوید و شات‌های عالی بگیرید.

با شرکت در تمرینات شما می‌دانید که در اجرای اصلی بازیگران کجا قرار می‌گیرند، نورهای صحنه چگونه هستند و چه زمانی یک لحظه قطعی در راه است.

نکته ۲ - زبان بدن مهم است؛

کادرهای بسته برای ثبت حالت چهره اجراکننده‌ها در اینگونه از عکس‌ها اهمیت بسیاری دارد.برای انجام این کار، باید از یک لنز با فاصله کانونی بالاتر استفاده کنید. به خاطر داشته باشید که برای جلوگیری از لرزش دوربین، این کار به سرعت شاتر بالاتری هم نیاز دارد.

از طرف دیگر با عکس‌های وایدتر می‌توانید کل بدن بازیگر را ثبت کنید، که کلید ارتباط با حال و هوای صحنه است.

به یاد داشته باشید که هر کسی که عکس شما را می بیند نمی‌داند در آن صحنه چه اتفاقی افتاده است و نمی شنود که بازیگران چه می‌گویند،  پس زبان بدن بازیگران تنها چیزی است که می‌تواند راز آن صحنه را برملا کند.

نکته ۳ – تغییر پرسپکتیو

هنگام عکاسی از یک اجرای زنده، با مخاطبان که برای دیدن آن بلیط تهیه کرده‌اند، عکاس احتمالن موقعیت مشخصی دارد، معمولن در پشت محل اجرا. این موقعیت ثابت، توانایی عکاس را برای حرکت آزادانه برای ثبت زوایا یا پرسپکتیوهای مختلف محدود می کند. پس درباره‌ این موضوع کار زیادی نمی‌توانید انجام دهید.

با این حال، بیشتر عکس‌های تئاتری که می‌بینیم، در حین تمرین ثبت می شود. جایی که معمولن شما به عنوان یک عکاس در آنجا مجاز به حرکت هستید. پس به خوبی از این فرصت استفاده کنید تا زوایای مختلفی را در عکس‌هایتان به نمایش بگذارید.

نکته ۴ - فراموش نکنید که شات‌های واید بگیرید؛

در عکاسی از یک تئاتر، گرفتن چند شات واید که کل صحنه را به تصویر بکشید اهمیت زیادی دارد. نمی‌توانید این کار را خیلی خلاقانه انجام بدهید، بنابراین فقط چند عکس کافی است  اما فراموش نکنید که حتمن آنها را بگیرید.

نکته ۵ – کیفیت بر کمیت ارجحیت دارد؛

برخی از افراد فکر می‌کنند که عکاسی در حالت متوالی تنها راه برای ثبت عکس‌های تئاتر است، اما اینطور نیست.

اگر پیش از حاضر شدن در یک اجرا به قصد عکاسی از آن، به خوبی درباره‌اش تحقیق کرده‌اید و تمرین‌ها را از نزدیک دیده‌اید، خواهید دانست که بازیگران چه کارهایی انجام می‌دهند و چه زمانی یک عمل یا کنش مهم اتفاق می‌افتد. به این ترتیب، می‌توانید عکس‌های ایده‌آل را بدون نیاز به شات‌های متوالی و پی در پی، ثبت کنید.

استفاده از حالت عکاسی پیاپی در یک دوربین می‌تواند در موقعیت‌های خاص مفید باشد، زیرا امکان ثبت یک سری عکس‌های پی در پی را فراهم می‌کند. با این حال، استفاده بیش از حد از این ویژگی نتیجه معکوس دارد و می تواند منجر به تعداد بیش از حد عکس شود که این اتفاق انتخاب و ویرایش عکس‌ها را به کار سختی تبدیل می‌کند.

نکته ۶ – با تهیه‌کننده و بازاریاب صحبت کنید؛

در طول یک اجرای زنده ممکن است هیجان زده شوید. به یاد داشته باشید که شما فقط برای دیدگاه خلاقانه خود آنجا نیستید. در این حرفه بسیار مهم است که شما به عنوان عکاس یک تٍئاتر با تولید کننده و بازاریاب صحبت کنید تا فهرستی از عکس‌هایی که باید بگیرید را داشته باشید و مطمئن شوید که آن عکس‌های ضروری را حتمن بگیرید.

نکته ۷ – با مدیر نورپردازی همکاری کنید؛

در صورت امکان، با مدیر نورپردازی صحبت کنید که بدانید نورها چگونه خواهند بود و چرا؟ در برخی موارد، نورپردازی ممکن است برای ایجاد نوری خنثا و حتا برای روشن کردن صحنه طراحی شود، در حالی که در موارد دیگر، ممکن است از نورپردازی خلاقانه‌تر برای ایجاد یک حالت خاص یا دستیابی به یک جلوه بصری ویژه استفاده شود.

نکته 8 – در حین عکاسی لباس تیره بپوشید؛

شما نباید در طول تمرینات و به ویژه در حین اجرا، عنصر حواس‌پرت‌کن باشید. بنابراین، در میان سایر قوانین و آداب عکاسی از تئاتر که جلوتر درباره آنها صحبت می‌کنیم یکی از مهمترین موارد این است که لباس‌های تیره بپوشید. با اینکار می‌توانید در سایه‌ها مخفی شوید و بدون جلب توجه کسی حرکت کنید.

نکته ۹ – حتمن به وایت بالانس توجه کنید؛

نورپردازی روی صحنه نه تنها در شدت و جهت تغییر می‌کند، بلکه اغلب در رنگ هم تغییر می‌کند. این ماهیت پویای نورپردازی صحنه می‌تواند چالش‌هایی را در طول ویرایش عکس برای شما ایجاد کند.

همانطور که در مقاله  White Balance چیست؟ درباره آن صحبت کرده بودیم، اگرچه انجام تنظیمات وایت‌بالانس تصویر در محله ویرایش عکس و به کمک لایت‌روم دقت کافی را دارد و برای اطمینان از نمایش دقیق رنگ‌ها، قابل اتکا است، اما مهم است که با انجام این تنظیمات، فضای کلی که به طور عمدی توسط مدیر نور آن نمایش ایجاد شده است را، تغییر ندهید. 

نکته 10 - یک روند کار موثر و کارآمد بسازید؛

کار عکاسی صحنه مراحل فوق العاده سریعی دارد. تمرین نهایی معمولن در هفته آخر قبل از افتتاحیه انجام می‌شود و بازاریاب باید تصاویری که شما ثبت کرده‌اید را برای مطبوعات ارسال کند. بنابراین، شما به یک سیستم خوب برای ساده کردن گردش کار خود نیاز دارید. از عکس گرفتن بیش از حد در حالت عکاسی پیاپی خودداری کنید تا عکس‌های زیادی برای انتخاب نداشته باشید.

همانطور که در کلاس آموزش لایت‌روم مدرسه عکاسی آرتسنس هم یاد می‌گیرید در این نرم‌افزار  می‌توانید با تنظیمات پیش فرض هم کار کنید چه توسط خودتان ایجاد شده باشد یا از عکاس حرفه‌ای دیگری خریداری شده باشد. بهترین کار این است که برای ویرایش عکس‌های هر نمایش در لایت‌روم یک سری تنظیمات پیش‌فرض بسازید و برای ویرایش عکس‌هایی که از آن نمایش می‌گیرید از این ویرایش‌ها استفاده کنید.

آداب عکاسی تئاتر

قسمت مهمی از حرفه عکاسی صحنه این است که شما به عنوان یک عکاس تئاتر باید بدانید در زمان عکاسی چگونه رفتار کنید. به همین دلیل در اینجا چند قاعده ابتدایی اما مهم از  آداب و رسوم اینکار آورده شده است.

- از برگزار کنندگان اجازه بگیرید؛

سعی نکنید دوربین را به طور مخفیانه وارد کنید و بدون اجازه عکس بگیرید. این کار به نفعتان نیست چون به هر حال به دلایلی مثل کپی‌زایت یا مالکیت معنوی آثار هنری، شما نمی‌توانید از آن‌ها در پرتفولیوی خود استفاده کنید.  پس به کارهای خلاقانه دیگران احترام بگذارید و پیش از عکاسی اجازه بگیرید تا تصاویر خود را ثبت و منتشر کنید.  

- موجب حواس‌پرتی نشوید؛

شما نباید حواس بازیگران را پرت کنید یا مزاحم تماشاگران شوید. بنابراین، چه در تمرین باشید چه در نمایش زنده، با احتیاط رفتار کنید تا مورد توجه قرار نگیرید.

- هرگز از فلاش استفاده نکنید؛

بخشی از نامرئی بودن یک عکاس تئاتر، در استفاده نکردن از فلاش است، در عکاسی صحنه این کار هرگز مجاز نیست. بنابراین، برای کار با نور صحنه باید تجهیزات مناسب را تهیه کنید و و مهارت های عکاسی خود را توسعه دهید.

سوالات متداول درباره عکاسی سینما و تئاتر  

هنگام عکاسی بهتر است در حالت دستی(Manual)  عکس بگیریم یا اولویت دیافراگم؟

حالت دستی همیشه به شما کنترل بیشتری می‌دهد، بنابراین بسیاری از عکاسان آن را ترجیح می‌دهند. با این حال این روش بسیار کند است، اگر نیاز به تغییر مداوم تنظیمات خود دارید، حالت‌های نیمه اتوماتیک گزینه ‌های خیلی خوبی هستند. بسیاری برای عکاسی از تئاتر اولویت شاتر را انتخاب می کنند، اما اگر می‌خواهید از اولویت دیافراگم استفاده کنید، فقط مطمئن شوید که حداقل سرعت شاتری که دوربین به شما می‌دهد  1/200 باشد.

آیا برای عکاسی تئاتر باید ISO را روی حالت خودکار بگذاریم؟

در صورت تمایل می توانید از ISO Auto استفاده کنید، اما مهم است که حداکثر حد این کار  را برای دوربینتان تعیین کنید. در اینجا عدد مشخص وجود ندارد. این بستگی به دوربین شما و میزان نویزی که شما آن را قابل قبول می‌دانید دارد. سایر عکاسان ترجیح می دهند برای حفظ کنترل کامل، از حالت ISO دستی استفاده کنند.

چه سرعت شاتری برای عکاسی تئاتر مناسب است؟

انتخاب بهترین سرعت شاتر بستگی به اکشنی دارد که روی صحنه اتفاق می افتد. عکاسی از یک نمایش درام با عکاسی از یک رقص با سرعت بالا متفاوت است. برای شروع، اگر می خواهید سوژه‌های خود را فریز کنید، سرعت شاتر 1/200 یا بیشتر خوب است.

کدام لنزها برای عکاسی تئاتر مناسب هستند؟

اگر موقعیت ثابتی در پشت سالن دارید، می توانید از یک لنز 100-400 میلی‌متری استفاده کنید. اگر می‌توانید آزادانه حرکت کنید، لنز 70-200 می‌تواند انتخاب خوبی باشد. همه چیز به اندازه صحنه نمایش بستگی دارد. ممکن است برای فضاهای کوچک به لنزی با فاصله کانونی کوتاه‌تر مانند 18-70 نیاز داشته باشید.

اگر بخواهم از آخرین تمرین عکاسی کنم از چه کسی باید اجازه بگیرم؟

در این مورد همه گروه‌های تئاتر یکسان نیستند و ممکن است بسته به اندازه و بودجه‌شان متفاوت باشند. در تئاتر های بزرگ‌تر، معمولن بخش بازاریابی به چنین درخواست‌هایی رسیدگی می‌کنند، زیرا آنها تبلیغات کار را مدیریت می‌کنند. یک گروه تئاتر کوچک ممکن است کسی را به طور خاص برای این نقش نداشته باشد. در این صورت می‌توانید مستقیمن از طریق وب سایت یا اکانت‌های رسانه‌های اجتماعی با آنها تماس بگیرید.

اگر این مطلب را دوست داشتید پیشنهاد می‌کنیم مقاله اندوه عمیق آقای کمدین که به عکس‌های یوجین اسمیت از پشت صحنه فیلم‌های چارلی چاپلین می‌پردازد را بر روی وبسایت مدرسه آرتسنس مطالعه کنید.